PROYECTOS 2017 EN EL MUBA

El MUBA, Museo de Bellas Artes René Brusau cerró la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2017.
El pasado jueves 15 de diciembre, se reunió en el MUBA el jurado para la selección de la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2017 cuyas bases y condiciones fueran aprobadas por Resolución N° 3556/16, del ICCH. El jurado estuvo compuesto por el coordinador general del Museo, Jorge Tirner, la artista chaqueña Beatriz Moreiro y el artista formoseño Walter Tura, y resolvieron designar como seleccionados de la Convocatoria a los siguientes proyectos: “Trans-Genealógico”, de Claudio Ojeda, de Presidencia Roque Sáenz Peña, Chaco; “Tercerización orgánica”, de Virginia Buitrón, Wilde, Buenos Aires; “Azúcar implano palpable”, de Federico Fischer, Resistencia, Chaco;  “Macho, sobre todas las cosas”, de Nadia Gómez Kiener, CABA, Buenos Aires; “Restos de amor”, de Maia Navas, Ciudad de Corrientes, Corrientes. Como Proyecto Suplente, ha sido seleccionado “Mujeres verticales”, de Violeta Carchak, de CABA, Buenos Aires.

Convocatoria para Proyectos Expositivos
El objetivo de la convocatoria es promover y difundir las diferentes prácticas artísticas y para ello ofrece un espacio expositivo, material gráfico informativo (folleto o postal), los recursos humanos para su concreción (montaje) y los medios para su difusión (prensa). Este llamado se plantea como estímulo a artistas emergentes, con prácticas tanto clásicas como contemporáneas. Se valorará particularmente la intervención de curadores, teóricos y gestores que aporten elementos significativos a las propuestas, tanto en su etapa de presentación como de concreción.
El MUBA y el Instituto de Cultura del Chaco suman un apoyo económico para cada proyecto seleccionado por esta Convocatoria para facilitar el desarrollo y producción de sus Proyectos Expositivos. También por medio de esta iniciativa se busca acrecentar el patrimonio artístico del MUBA adquiriendo obras de artistas contemporáneos.

“Azúcar implano palpable”, de Federico Fischer.

“Macho, sobre todas las cosas”, de Nadia Gómez Kiener.

“Tercerización orgánica”, de Virginia Buitrón.

“Restos de amor”, de Maia Navas.

“Trans-Genealógico”, de Claudio Ojeda.

EL TORSO SEGÚN PILAR OLIVERO

Este viernes 18 de noviembre el MUBA-Museo de Bellas Artes René Brusau inaugurará la muestra “El torso no miente”, de la artista chaqueña Pilar Olivero. La inauguración tenrá lugar a las 20,30, en la Sala 2 del Museo, sito en la Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre. El acceso es libre y gratuito.
Esta muestra es la quinta y última exhibición seleccionada por la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016. Permanecerá habilitada hasta el sábado 24 de febrero de 2017.

Pilar Olivero nació en Resistencia en 1985, donde vive y trabaja. Fue becada por el Fondo Nacional de las Artes para el Taller de Análisis y Seguimiento de Obra en Chaco, Corrientes, Misiones a cargo de Roberto Echen y Pablo Siquier (2014/2015),  y por el Programa para Artistas Visuales del Instituto de Cultura del Chaco a cargo de Diego Figueroa (2014). Forma parte del colectivo “Crear con Luz”, con el cual realiza desde 2013 talleres y exposiciones. Realizó exposiciones individuales y colectivas en Chaco, Corrientes, Córdoba, Misiones y Buenos Aires.

El torso no miente.
“31 días en un hospital en terapia intensiva. El tiempo pasa muy lento -afirma la artista, Pilar Olivero-. Dicen que cuando la mente está feliz se expande, entonces el tiempo parece corto. Cuando la mente está triste se contrae, entonces el tiempo parece demasiado largo, y que cuando la mente está en equilibrio trasciende el tiempo. Vi como la muerte sucede de un momento a otro. La pérdida, la angustia y el dolor van acompañados de la esperanza y el movimiento de una pequeña parte del cuerpo, el cual se deteriora día a día. La vida es una combinación de formas y abstracciones. Los sentimientos no tienen forma pero sus expresiones sí la tienen. El ser no tiene forma pero su morada sí la tiene. El cuerpo es cambiante, el ser es inmutable. El cuerpo habla del Paso del tiempo, de las cicatrices”, concluye.

Sobre su obra, Olivero comenta que “las imágenes son tomadas por una caja de cartón con dimensiones en donde cabe un papel fotosensible de 10x15 cm, “eso nos proporciona un negativo que se convierte en el punto de partida de una imagen de 2x2 metros”, amplía. Son 15 retratos blanco y negro de diferentes torsos desnudos que tendrán como contexto además una instalación que recrea un hospital.
Julia Rossetti escribe en el catálogo: “El rostro es redundancia, afirman Deleuze y Guattari en sus Mil Mesetas. Los devenires clandestinos ocurren cuando conseguimos desrostrificar el cuerpo, pensar este “cuerpo sin órganos”, poblado por puras intensidades que pasan y circulan. Pero aquí la omisión del rostro no es emancipación de las identidades dadas: es más bien operación de anestesia de los sentidos y emociones –esos que codificados hacemos visibles con las expresiones faciales. Anulados están los gestos de dolor, agonía, remordimiento, incomodidad; debajo de una extraña y terrorífica máscara homogeneizante.
En el hospital o en la vida, ser pacientes –palabra que proviene del latín patiens, patientis– significa sufrir, aguantar, padecer. Esperar que algo externo a nuestra voluntad opere en pos de nuestros deseos y bienestar. Cuerpo y tiempo materializan en la obra esta idea del padecimiento: el cuerpo sin identidad; el cuerpo-carne que respira artificialmente; cuerpo fluido-sangre-materia de la que estamos hechos todos; cuerpo –paciente– suspendido en el frío paréntesis de la internación, mientras el tiempo sigue su curso y cuyo decurso, más tarde o más temprano, no es más que la muerte.
Así mismo, frente a la trágica conciencia de nuestra condición de efímeros cuerpos en constante descomposición, Pilar echa luz para hacer visibles esas otras señas particulares: cicatrices, arrugas, lunares, manchas que el cuerpo carga consigo y acumula como pequeños tesoros. Nos propone pensar en el torso como lugar donde late, inhala y exhala el individuo.
El torso no miente –lugar donde todas las afectaciones se recodifican en el pulso y la respiración. Se torna el cuerpo ahora constelación de marcas que podríamos unir para obtener una imagen alternativa de nosotros mismos –esa que se forma de los recorridos e intersecciones, de la exposición al calor, al frío, a los abrazos, a la luz y a la sombra. Sobre la piel-cuerpo-territorio que acoge huellas de diversas profundidades; emerge una cartografía individual que vaciada de toda clasificación es experiencia e intensidad pura, y que definitivamente comienza en cualquier punto del cuerpo.”

VER EN EL MUBA

Actualmente en el MUBA se encuentran en exhibición:

PATRIA Y PATRIMONIO
Muestra de la colección pictórica del museo en el marco de los festejos del Bicentenario de la patria.
La muestra se divide en cuatro ejes: retratos, paisajes, pintura metafísica y abstracta y pinturas de artistas contemporáneos. Hasta noviembre 2016.
Sala 1, planta baja.

¿DÓNDE PONGO LO HALLADO?
De las artistas Inés Drangosch y Valeria Gopar
Instalación de dibujos y objetos. Selección Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016.
Hasta el 12 de noviembre de 2016
Sala 2, 3° piso.

PASAJES: EL MUBA EN EL TERRITORIO Y EL TERRITORIO EN EL MUBA
Muestra del Patrimonio del Museo. Hasta diciembre 2016.
Sala 3, 3° piso.








El Museo de Bellas Artes René Brusau funciona en Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre de la ciudad de Resistencia.
Horarios de atención al público, de martes a sábados de 9 a 13 y de 17 a 21. La entrada es libre y gratuita.

¿DÓNDE PONGO LO HALLADO?

Desde el 7 de octubre, Inés Drangosch y Valeria Gopar exponen en el MUBA “¿Dónde pongo lo hallado?”, que estará habilitada hasta el 12 de noviembre próximo.
Porá visitarse en el Museo sito en Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre, con entrada es libre y gratuita.
La muestra está relacionada con aquellas imágenes, objetos, tramas, cintas, frases, papeles, etc., que representan los antecedentes de las obras de Drangosch y Gopar. Colección privada de objetos guardados en sus talleres, recolectados, encontrados, regalados, y reagrupados sobre un tablero. Fascinadas por ellos se vuelven inspiración.
Por curiosidad, por impulso, construyen un mundo: obras en papel, collages, instalaciones.
José María Parreño, acotan las autoras, dice en su texto “El coleccionismo considerado como una de las bellas artes” que “en el artista no ha dejado de vislumbrarse la faz del coleccionista. Coleccionista de nimiedades: un trozo de cuerda, un billete de tranvía, una llave de guitarra. O de objetos íntegros y listos para su uso: un urinario, un botellero. O de absolutamente cualquier cosa en que su mirada descubriera ciertas propiedades: una lata, una tela, una vela. Todo autor de collages, readymades y objetos encontrados habrá desarrollado por fuerza el ojo cinético del coleccionista. Y como éste tendrá los bolsillos o un hangar repletos de tesoros que a la generalidad de los mortales le resultará indiferentes”.
Erika Escoda escribe en el catálogo que “como artistas del mundo que son, Inés Drangosch y Valeria Gopar experimentan la existencia cotidiana con sensibilidad e imaginación. Forman parte de la vida cultural de Mar del Plata, ciudad de horizonte a mar abierto, frecuentada por vientos oceánicos a orillas del Atlántico Sur.
En la trama de búsquedas e interacciones que todo ambiente ofrece, los hallazgos tangibles e intangibles se agrupan por afinidad de misteriosos atractivos.
Con espíritu coleccionista, nidos, golondrinas, jardines, regalos, cuadernos, dibujos, colores, conversaciones, árboles, bosques, calles, paseos y más, son transformados por la mirada creativa y adquieren infinitos nuevos sentidos. Las nuevas relaciones, en su rica diversidad y proyección, inspiran a su vez la construcción de nuevas obras.
“Un libro es una cosa entre las cosas, un volumen perdido entre los volúmenes que pueblan el indiferente universo, hasta que da con su lector, con el hombre destinado a sus símbolos. Ocurre entonces la emoción singular llamada belleza, ese misterio hermoso que no descifran ni la psicología ni la retórica. La rosa es sin porqué, dijo Angelus Silesius; siglos después, Whistler declararía El arte sucede.” Jorge Luis Borges.
Como toda pregunta, ¿Dónde pongo lo hallado? abre un espacio de silencio para dar lugar a respuestas. Las artistas, guiadas por sus intuiciones, han coincidido en esta puesta en común que nos invitan a compartir.”

Inés Drangosch

Nació en Buenos Aires en 1956. Vive y trabaja en Mar del Plata. Es Profesora Superior de Artes Visuales por la Escuela Martín Malharro de Mar del Plata. Participó de los Encuentro de Producción y Análisis de Obra de la Fundación Antorchas en 1999 y en 2001 de la Beca de Perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes. En 2003 participó de TRAMA, Programa de Cooperación y confrontación entre artistas, en Mar del Plata. En 2006 realizó un Workshop con el artista Erick Beltran, en Barcelona.
Recibió la Mención del jurado en el LXVIII Salón Nacional de Rosario. Fue seleccionada en el concurso del Plan Nacional Igualdad Cultural. En 2011 recibió el Premio Lobo de Mar a la Cultura por la Fundación Toledo, Mar del Plata. En 2010 obtuvo el Primer Premio del 5º Concurso Nacional UADE Pintura, Buenos Aires.
Exhibió su obra en Mar del Plata, Buenos Aires, Bahía Blanca, Miami y San José (Costa Rica), entre otras ciudades.
Su obra pertenece a las colecciones de Ella Fontanals-Cisneros Collection, Miami, EEUU; y del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, La Plata.
Valeria Gopar
Es Profesora de Artes Visuales con Especialidad en Pintura por la Escuela Martín Malharro de Mar del Plata. Participó de los Talleres de Producción y Análisis de Obra de los artistas Daniel Besoytaorube en 1997-2000, en Mar del Plata; de Sergio Bazán en 2001, en Buenos Aires; y de Pablo Siquier en 2003-2009, también en Buenos Aires.
Expuso individualmente en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, en Mundo Dios Mar del Plata y en Galería Casa de Madera, en Mar del Plata.
Obtuvo becas y subsidios de la Fundación Antorchas, Trama y el Fondo Nacional de las Artes. Participó en numerosas exposiciones colectivas, ferias y bienales en Fundación Proa, CCEBA, Centro Cultural Borges, Centro Cultural Recoleta entre otras.
En el 2015 fue seleccionada para la temporada 11 de Residencia Curadora, en San José del Rincón, Santa Fe y en 2016 para la Residencia en AADK, Murcia, España.

CHARLA DE RCHED SOBRE "POS"

El viernes 16 de septiembre a las 19, EL MUBA - Museo de Bellas Artes René Brusau), la artista chaqueña Cinthia Rched tendrá a cargo una charla donde expondrá los procesos creativos de su obra y sus referentes artísticos. La conferencia se realizará en en la Sala 2, donde expone su trabajo. La muestra es la tercera exposición que se lleva a cabo en el marco de la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016, y podrá ser visitada hasta el sábado 24 de septiembre. La entrada es libre y gratuita en MUBA, Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre.

Pos

Cinthia nació con una enfermedad ósea: displasia espóndilo epifisaria múltiple, que deforma las articulaciones durante el crecimiento y provoca limitaciones y dolor físico.
Hace 10 años Cinthia inició un proceso de operaciones, y en la necesidad de sublimar estas experiencias, comenzó una serie de pinturas densas y dramáticas. La serie Pos se encuentra dividida entre autorretratos hospitalarios y los procesos de rehabilitación.
La muestra exhibe, desde su montaje, la obra con un clima dramático que estimula el recorrido por la producción, e invita al público a una experiencia Pos.

A Cuerpo abierto

Carolina Schöenemann escribe para la muestra que “en Pos, Cinthia invita a vivir su drama con intensidad y franqueza.  De sus días de pos-operatorio, crea una trama sublimada, que indefectiblemente nos involucra haciéndonos partícipes de su sentir.
Pos son resortes de ella misma en diferentes momentos de sus estadios, consecuencia de un proceso que inició hace 10 años, con la primera intervención quirúrgica.
Las manchas y líneas aparentemente azarosas en el gesto, se conjugan en frenéticas y nerviosas cargas poéticas. La artista afirma que el gesto es su estado de ánimo, y su obra resulta densa y pesada, como lo son sus manchas, como lo es su propio cuerpo.
Las dimensiones de sus obras, casi de tamaño natural, nos hablan de su obsesión por reducir la distancia entre el espectador y las telas, buscando empatizar con quien las mira. Nos entrega una lupa para acercarnos al detalle, al fragmento, al mínimo gran aspecto que hace y es la totalidad en sí misma (de ella y de su obra).
Por eso, Cinthia también afirma que esta obra soy yo, quiero ser lo más sincera y auténtica que pueda.
La producción está dividida en pinturas con carga de materia realizada a espatulados y dibujos hechos a pincel con óleo seco, otras con veladuras de óleo, donde usa la espátula como cuchillo que raspa la tela y en modo de línea levanta y vuelve a redibujar.
La pintura resiste,  igual que ella.
Las paletas de grises, negros y tierras, casi sin color ni saturación, producen el  buscado resultado dramático. De carácter tajante, la obra proyecta literalmente un cuerpo en construcción, vivo y sobrevivido.
Ella y su cuerpo son los protagonistas de las escenas que construye, que han sido parte de escenarios reales en sanatorios, y ahora transmutan compactas en la dimensión representativa de la pintura. Las manchas chorreadas devienen así en configuraciones imaginarias y simbólicas de sus propias sensaciones físicas y sus emociones.
La artista cuenta que en las obras están sus recuerdos, su vida: quiero mostrar el sentimiento lo más real posible. Que las pinceladas y las líneas sean como los cortes ya cicatrizados de mi cuerpo, pero no en mi mente. Las líneas son el dolor y la fuerza interior. Con cada obra voy cicatrizando de a poquito, voy adquiriendo fuerza. Me energizo y me hago inmortal…
Indicación sugerida: recorra Pos, luego repose.
Con esta última indicación Cinthia invita una vez más a pasar al cuerpo, por el cuerpo lo que su pintura genera –en ella– y lo que puede o no generar en quien la ve como “obra de arte” (incluso ella misma transformada en espectadora). Repose, descanse, recompóngase le advierte al espectador, después de ver algo que pudo quizá haberlo inquietado, conmovido, perturbado.
Cinthia interpela, nos interpela con su arte tanto o más como a ella misma la interpela su propio cuerpo intervenido-transfigurado en arte y su arte transfigurado en cuerpo (su cuerpo y el cuerpo del otro, ese otro que es tanto ella en sus telas como el/los espectador/es que la miran, la observan, la juzgan, se compadecen, se identifican, o se inmovilizan ante ella.
De una u otra forma, tanto ella como su obra y quien la observa participan de una experiencia estética procesual expandida (capaz de transcender los límites físicos del cuerpo y de la tela, de tras-pasar –en un juego de reciprocidad infinita– la materialidad de la tela hasta volver a la materialidad originaria, a la “tela física del cuerpo” de la cual abrevan eternamente sus pinturas)”.

TALLER DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Los miércoles de septiembre se dicta en el MUBA, el taller de Arte Contemporáneo a cargo de la profesora y licenciada en Artes Visuales Alejandra Fabiani.
La capacitación está destinada a estudiantes, docentes, investigadores, artistas y público interesado, y es brindada de manera gratuita. Los encuentros se extenderán hasta el miércoles 5 de octubre, de 17 a 19, en la Sala 3 del 3° piso.
“El curso de Arte Contemporáneo nace de la necesidad de un espacio para el  análisis y conceptualización  del arte contemporáneo en la ciudad de Resistencia.
Para comenzar el análisis de la situación actual del campo del arte, debemos comprender que el arte contemporáneo ha cuestionado una infinidad de supuestos. Entre ellos está la idea de arte, de belleza, de gusto, los modelos expositivos, los soportes, el análisis y la crítica”, explicaron los organizadores.
Este  espacio pretende acercar las teorías filosóficas que forman el sustrato del paradigma contemporáneo del arte y así conformar un grupo de conocimiento ordenado para la comprensión conceptual del arte contemporáneo.
“Es de suma importancia descubrir los logros conceptuales-filosóficos del arte, para que en la práctica artística no existan retrocesos innecesarios. Conocer la evolución de los paradigmas dentro del campo del arte hace que se comprenda porque se dice que estamos en una época de libertad y pluralismo”, declararon.
“Quienes declararon un siglo atrás que cualquier cosa podía ser una obra de arte, y que cualquiera podía producirla, se proponían quebrar el mito romántico del artista como un ser único, un elegido”, agregaron.

MUSICA Y PERFOMANCE

Este sábado 10, el MUBA-Museo de Bellas Artes “René Brusau” concretará el concierto del compositor electro acústico Nicolás Melmann, que presentará Sound Shapes. El show tendrá lugar a las  19.30 en la sede de Marcelo T. de Alveary Mitre, Casa de las Culturas, Sala 1 planta baja , con acceso libre y gratuito.
Este espectáculo se suspendió el pasado sábado 3 por razones climáticas. La propuesta es una performance que combina arte y nuevos medios utilizando electrónica e instrumentos acústicos, grabaciones de campo, textos y visuales.

Sound Shapes
En Sound Shapes, Melmann como un hombre orquesta utiliza software, sintetizadores por hardware, instrumentos acústicos (arpa, hang drum, lira, percusión, ukelele, melódica), procesa y combina estos diferentes materiales, acústicos digitales y analógicos creando diferentes paisajes sonoros.
El artista lleva esta propuesta, que contempla música y visuales, para intervenir salas de museo. Lo ha hecho en diferentes espacios del mundo, en los que se destacan el Metropolitan Art Museum de Nueva York, Espacio Fundación Telefónica de Lima y el Polytech Museum de Moscú.
Nicolás presentó su trabajo en Alemania, Inglaterra, Polonia, Rusia, Italia, Francia, España, Austria, Chile, Brasil, Perú y  Estados Unidos, incluyendo el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (junto Alva Noto y Ryuichi Sakamoto), Victoria and Albert Museum (Londres), Expo Milano (Milano),  Polytech Museum (Moscú), Festival Sónar entre otros.
El show es auspiciado por vinoteca Sabores que presentará los vinos Bravío, de bodegas Uxmal.

Nicolás Melmann
Es licenciado en Composición con Medios Electroacústicos. Entre el Arte Sonoro y la electroacústica, produce música para televisión, cine, teatro e instalaciones, siempre innovando desde lo compositivo, poniendo a prueba formatos, explorando diferentes sonoridades, recursos e instrumentos.
Actualmente está presentando un nuevo show audiovisual en conjunto con el VJ Lucas DM y trabajando como curador en el ciclo Lenguajes Sonoros en el Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata.
Esta presentación es una coproducción de Casa de las Culturas y el MUBA - Museo de Bellas Artes René Brusau, luego de representar a este país en Estados Unidos y Europa.

TALLER DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Este miércoles 7 de septiembre el MUBA-Museo de Bellas Artes “René Brusau” iniciará el Taller de Arte Contemporáneo, a cargo de la profesora y licenciada en Artes Visuales Alejandra Fabiani. El cupo es limitados y las inscripciones se realizan en el horario de las 9 a las 13 y de las 17 a las 21, hasta el mismo miércoles, en la recepción de Casa de las Culturas -Mitre y Marcelo T. de Alvear-, en las oficinas del MUBA ubicadas en el tercer piso de ese espacio cultural, o por mail a aleteoart@hotmail.com, correo de la profesora Alejandra Fabiani.
El taller es de carácter gratuito y está destinada a estudiantes, docentes, investigadores, artistas y público interesado. Los próximos encuentros serán los miércoles 14, 21, 28 de septiembre y el 5 de octubre, de 17 a 19, en la Sala 3 del tercer piso del MUBA.
“El curso de Arte Contemporáneo nace de la necesidad de un espacio para el  análisis y conceptualización  del arte contemporáneo en la ciudad de Resistencia.
Para comenzar el análisis de la situación actual del campo del arte, debemos comprender que el arte contemporáneo ha cuestionado una infinidad de supuestos. Entre ellos está la idea de arte, de belleza, de gusto, los modelos expositivos, los soportes, el análisis y la crítica”, explicaron los organizadores.
Este  espacio pretenderá acercar las teorías filosóficas que forman el sustrato del paradigma contemporáneo del arte y así conformar un grupo de conocimiento ordenado para la comprensión conceptual del arte contemporáneo.
“Es de suma importancia descubrir los logros conceptuales-filosóficos del arte, para que en la práctica artística no existan retrocesos innecesarios. Conocer la evolución de los paradigmas dentro del campo del arte hace que se comprenda porque se dice que estamos en una época de libertad y pluralismo”, declararon.
“Quienes declararon un siglo atrás que cualquier cosa podía ser una obra de arte, y que cualquiera podía producirla, se proponían quebrar el mito romántico del artista como un ser único, un elegido”, agregaron.

Objetivos y Actividades
Fabiani expresó que los objetivos del taller serán “comprender el devenir del arte contemporáneo y reconocer sus marcos analíticos, reflexionar  sobre la producción artística en Chaco y Corrientes, y desarrollar una mirada crítica luego de recorrer las lecturas recomendadas”.
Adelantó que se realizarán lecturas de textos y puestas en común, armado de redes conceptuales y análisis de imágenes de arte contemporáneo. Al finalizar los encuentros, se entregará un certificado de Capacitación y Perfeccionamiento.

TALLER DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Este miércoles 7 de septiembre el MUBA-Museo de Bellas Artes “René Brusau” iniciará el Taller de Arte Contemporáneo, a cargo de la profesora y licenciada en Artes Visuales Alejandra Fabiani. El cupo es limitados y las inscripciones se realizan en el horario de las 9 a las 13 y de las 17 a las 21, hasta el mismo miércoles, en la recepción de Casa de las Culturas -Mitre y Marcelo T. de Alvear-, en las oficinas del MUBA ubicadas en el tercer piso de ese espacio cultural, o por mail a aleteoart@hotmail.com, correo de la profesora Alejandra Fabiani.
El taller es de carácter gratuito y está destinada a estudiantes, docentes, investigadores, artistas y público interesado. Los próximos encuentros serán los miércoles 14, 21, 28 de septiembre y el 5 de octubre, de 17 a 19, en la Sala 3 del tercer piso del MUBA.
“El curso de Arte Contemporáneo nace de la necesidad de un espacio para el  análisis y conceptualización  del arte contemporáneo en la ciudad de Resistencia.
Para comenzar el análisis de la situación actual del campo del arte, debemos comprender que el arte contemporáneo ha cuestionado una infinidad de supuestos. Entre ellos está la idea de arte, de belleza, de gusto, los modelos expositivos, los soportes, el análisis y la crítica”, explicaron los organizadores.
Este  espacio pretenderá acercar las teorías filosóficas que forman el sustrato del paradigma contemporáneo del arte y así conformar un grupo de conocimiento ordenado para la comprensión conceptual del arte contemporáneo.
“Es de suma importancia descubrir los logros conceptuales-filosóficos del arte, para que en la práctica artística no existan retrocesos innecesarios. Conocer la evolución de los paradigmas dentro del campo del arte hace que se comprenda porque se dice que estamos en una época de libertad y pluralismo”, declararon.
“Quienes declararon un siglo atrás que cualquier cosa podía ser una obra de arte, y que cualquiera podía producirla, se proponían quebrar el mito romántico del artista como un ser único, un elegido”, agregaron.

Objetivos y Actividades
Fabiani expresó que los objetivos del taller serán “comprender el devenir del arte contemporáneo y reconocer sus marcos analíticos, reflexionar  sobre la producción artística en Chaco y Corrientes, y desarrollar una mirada crítica luego de recorrer las lecturas recomendadas”.
Adelantó que se realizarán lecturas de textos y puestas en común, armado de redes conceptuales y análisis de imágenes de arte contemporáneo. Al finalizar los encuentros, se entregará un certificado de Capacitación y Perfeccionamiento.

EL LIBRO CON OBRAS DE DIEGO FIGUEROA

El jueves 25 de agosto a las 20, el Museo de Bellas Artes René Brusau presentará el libro de Diego Figueroa, que reúne una selección curada de las producciones más relevantes de los últimos nueve años del artista. La presentación será a las 20 y tendrá lugar en la Sala 1 de planta baja del MUBA,  Marcelo T. de Alvear y Mitre, Casa de las Culturas. La entrada es libre y gratuita.

Diego Figeroa desarrolló su carrera dentro de las disciplinas de la escultura e instalación, dibujo y pintura. Su libro es una publicación bilingüe español/inglés y cuenta con más de 70 fotografías de obras, exhibiciones y proyectos de su autoría; registrados por los artistas Andrés Ivancovich, Celeste Massin, Mariana Alarcón, Guido Bonfiglio, Guido Ignatti, Sandra Cartaso y Santiago Orti. Cuenta con textos especializados de Rodrigo Alonso, Laura Spivak, Jimena Ferreiro Pella, Silvina Pirraglia, Mariano Soto y María Lightowler.

Este libro es un proyecto de Silvina Pirraglia y María Lightowler, realizado con el aporte del Departamento de Programas y Leyes Especiales del Instituto de Cultura de la Provincia del Chaco y la Empresa Musimundo.
El libro fue diseñado por Jorge Tirner y refleja la búsqueda estética que caracteriza la obra de Figueroa. Se destaca la calidad de la impresión a cargo de una empresa de Buenos Aires especializada en libros de arte e impresiones innovadoras.
La presentación del libro contará con la presencia del escritor Miguel Ángel Molfino Giannetti, con quien se discutirán diferentes aspectos de las producciones y de la carrera artística de Diego Figueroa, uno de los referentes más destacados del arte contemporáneo producido en la provincia de Chaco.

CINTIA RCHED "POS" Y EXPUESTA

Este viernes 12 de agosto el MUBA inaugurará la muestra “Pos”, de la artista chaqueña Cinthia Rched. Se trata de la tercera exposición que se concreta en el marco de la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016.
La apertura tendrá lugar a las 20.30 en la Sala 2 del MUBA, Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre, y podrá ser visitada hasta el sábado 24 de septiembre con entrada libre y gratuita.
Cinthia Rched inició hace 10 años una serie de pinturas ante la necesidad de sublimar sus experiencias de una enfermedad ósea que sufre desde el nacimiento.
Es por eso que la serie “Pos” exhibe autorretratos hospitalarios y procesos de rehabilitación.

A cuerpo abierto
Carolina Schöenemann escribe para la muestra que en “Pos” Cinthia invita a “vivir su drama con intensidad y franqueza.  De sus días de pos-operatorio, crea una trama sublimada, que indefectiblemente nos involucra haciéndonos partícipes de su sentir.”
Lo que se aprecia, continúa, “son resortes de ella misma en diferentes momentos de sus estadios, consecuencia de un proceso que inició hace 10 años, con la primera intervención quirúrgica.”
Las manchas y líneas aparentemente azarosas en el gesto, se conjugan en frenéticas y nerviosas cargas poéticas”. Y la artista confiorma esto al decir que “el gesto es mi estado de ánimo”, a lo que Schöenemann agrega que es por eso que lau obra “resulta densa y pesada, como lo son sus manchas, como lo es su propio cuerpo”.
Las obras, casi de tamaño natural “hablan de su obsesión por reducir la distancia entre el espectador y las telas, buscando empatizar con quien las mira -concluye-, entrega una lupa para acercarnos al detalle, al fragmento, al mínimo gran aspecto que hace y es la totalidad en sí misma (de ella y de su obra).”
“La pintura resiste,  igual que ella”, confirma Schöenemann. La producción está dividida en pinturas con carga de materia realizada a espatulados y dibujos hechos a pincel con óleo seco, otras con veladuras de óleo, donde usa la espátula como cuchillo que raspa la tela y en modo de línea levanta y vuelve a redibujar. “Las paletas de grises, negros y tierras, casi sin color ni saturación, producen el  buscado resultado dramático. De carácter tajante, la obra proyecta literalmente un cuerpo en construcción, vivo y sobrevivido”, amplia.
“Ella y su cuerpo -agrega- son los protagonistas de las escenas que construye, que han sido parte de escenarios reales en sanatorios, y ahora transmutan compactas en la dimensión representativa de la pintura. Las manchas chorreadas devienen así en configuraciones imaginarias y simbólicas de sus propias sensaciones físicas y sus emociones.”
Cinthia Rched a su vez comenta que en las obras están sus recuerdos, su vida, y quiere “mostrar el sentimiento lo más real posible. Que las pinceladas y las líneas sean como los cortes ya cicatrizados” de su cuerpo, “pero no en la mente.”  Las líneas “son el dolor y la fuerza interior”, afirma y con cada obra va “cicatrizando de a poquito,  adquiriendo fuerza” y a la vez, se energiza y hace “inmortal”, concluye.
Schöenaman finaliza su comentario y asegura que “Cinthia interpela, nos interpela con su arte tanto o más como a ella misma la interpela su propio cuerpo intervenido-transfigurado en arte y su arte transfigurado en cuerpo (su cuerpo y el cuerpo del otro, ese otro que es tanto ella en sus telas como el/los espectador/es que la miran, la observan, la juzgan, se compadecen, se identifican, o se inmovilizan ante ella.
De una u otra forma, tanto ella como su obra y quien la observa participan de una experiencia estética procesual expandida (capaz de transcender los límites físicos del cuerpo y de la tela, de tras-pasar –en un juego de reciprocidad infinita– la materialidad de la tela hasta volver a la materialidad originaria, a la “tela física del cuerpo” de la cual abrevan eternamente sus pinturas)”.

NOCHE DE LOS MUSEOS

Sábado 13 Domingo 13

PATRIA Y PATRIMONIO

Este viernes 22 el MUBA, Museo de Bellas Artes René Brusau, presentará la muestra “Patria y Patrimonio”. La inauguración tendrá lugar a las 20,30 en Sala 1 de planta baja del  museo sito en Casa de las Culturas, Marcelo T. de Alvear y Mitre. La amuestra se efectua en el marco conmemorativo de los 200 años de la independencia argentina, y se expondrán pinturas de la colección patrimonial del museo. Permanecerá habilitada hasta el sábado 5 de noviembre con acceso libre y gratuito, de martes a sábados de 9 a 13 y de 17 a 21.

Las obras

Alfredo  Pértile. Ligados. Óleo de 1975 

La muestra resume la colección pictórica que el Museo de Bellas Artes René Brusau protege desde su creación, hace 34 años. Patria proviene del latín y significa “padre”, y Patrimonio, también del latín, “lo recibido por el padre”.
El director del Museo, Jorge Tirner, reflexiona en el marco del bicentenario y afirma que esta muestra se une a “la Patria que es un símbolo que nos ubica, nos revela y nos distingue. Acá estamos, estos somos y así somos. El Patrimonio es lo que la Patria nos ha dado, para que cuidemos y disfrutemos, y sigamos transmitiéndosela a los hijos que la Patria sigue y seguirá pariendo”.
Por ello, mantiene que “nuestros próceres dieron su vida para que hoy festejemos la libertad. Libertad que nos mueve a tomar decisiones por nosotros mismos, a decidir sobre nuestro futuro y como queremos construirlo. Recorrimos estos primeros 200 años construyendo eso que nos hace únicos. Por eso el MUBA propone exhibir su muestra bajo este concepto, celebrando todos juntos lo que hemos heredado. Porque el patrimonio que el MUBA protege es de todos, es nuestro tesoro”.

Rodolfo Schenone. La Ciudad de mi Selva. Óleo de 1975   

El aporte
El patrimonio del Museo es producto del aporte de obras de arte provenientes de la antigua Subsecretaria de Cultura, de la pinacoteca del Banco del Chaco, del Fondo Nacional de las Artes, de donaciones de coleccionistas privados y las realizadas por los mismos artistas.
En la actualidad cuenta con una colección de poco más de 600 obras que parte cronológicamente desde 1940. Ellas representan diferentes prácticas de artistas internacionales, nacionales y provinciales.
“La colección creció y se diversificó notablemente. Abarca diferentes corrientes, propuestas y movimientos artísticos que cobran importancia en el plano histórico ya que muchas representan escenas y paisajes que testimonian costumbres y hechos de la Provincia del Chaco, aquí radica el mayor valor del acervo”, afirma Tirner.
Cabe mencionar que el MUBA cuenta con  obras de artistas chaqueños de importante trascendencia  como Crisanto Domínguez, Alfredo Pertile, Carlos Schenone, Rafael Galindez, Beatríz Moreiro, Juan de Dios  Mena, Ricardo Jara, Eddie Torre, Iván Sagarduy, Domingo Arena, Padro Luis Raota, entre otros.

El nombre del MUBA
René Brusau es el nombre que desde 1995 lleva el museo. Este artista es considerado como uno de los precursores de plástica del Chaco en la década del 40. Si bien nació en 1923 en Villa María, Córdoba, su figura se identifica totalmente con el arte en nuestra provincia.
En 1943 se radicó en Resistencia, empleado como peón en Puerto Vilelas y Barranqueras para ganarse el sustento. El Ateneo del Chaco le confió la dirección de su Taller Libre de Artes Plásticas, luego dictó una cátedra en el Centro de Constructores y después cursos de dibujo y pintura en la Universidad Popular.
Hizo varios murales (El Fogón de los Arrieros, Casa Cimat), género por el que sentía particular entusiasmo. Incursionó en la escenografía teatral en obras del Teatro Experimental de El Fogón de los Arrieros. En 1950, con Mena, decoró el Palacio del Mate (Posadas); decoró también el local del Chaco en la Feria de América (Mendoza); fue asesor de cuanta tarea plástica se efectuó en la zona. Obtuvo con su pastel "Niña" el Primer Premio del Salón del Litoral, en Reconquista, Santa Fé.
René Brusau falleció repentinamente en la ciudad de Resistencia el 26 de junio de 1956, con tan sólo 33 años de edad.

Otras muestras
Camilo Guinot continúa con su muestra “Civilización y Paisaje”, que es la segunda exhibición de la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016. La muestra explora los conceptos estéticos del paisaje y la intervención del artista y su lenguaje. Se concreta en la Sala 2, piso 3.
 Asimismo, está habilitada la exposición “Pasajes: El MUBA en el territorio y el territorio en el MUBA”, una muestra del patrimonio del museo, que pudee recorrerse hasta julio 2016, en Sala 3 del piso 3.

CIVILIZACIÓN Y PAISAJE, de Camilo Guinot

Este viernes 24 de junio a las 20,30 el MUBA inaugurará en su Sala 2 la muestra "Civilización y Paisaje", del artista correntino Camilo Guinot. Se trata de la segunda exposición que se realiza en el marco de la Convocatoria para Proyectos Expositivos 2016.
Permanecerá habilitada hasta el sábado 6 de agosto, con acceso libre y gratuito.

LA OBRA

Está compuesta por cinco obras audiovisuales montadas en la sala. Fue realizada durante la residencia del artista en la Antártida durante el 2014. En ella explora los conceptos estéticos del paisaje con la intervención del artista y su lenguaje.
En el texto de sala, escribe para la muestra Sebastián Vidal Mackinson que “el arte contemporáneo llega a nosotros, hoy en día, a través del formato exposición, que adquiere la forma de caja de resonancia donde el pensamiento artístico crítico se desarrolla y toma posición. Camilo Guinot exhibe una video-instalación que analiza a la mirada, como trama de la percepción, el lenguaje y el espacio, en su capacidad narrativa de significación en la correspondencia entre naturaleza y cultura.
Estructurada en dos módulos en hermandad indisoluble, Civilización y paisaje se inscribe en un nuevo pliegue de la poética de Guinot. Durante una residencia artística en Antártida durante el verano de 2014, el artista ahondó en una cartografía que habilitó una dislocación en la mirada y configuró otra topología donde se anudaron sentidos de manera diferente a lo cotidiano. Así, fue suficiente hacer visible su capacidad de disponerse para el estudio de la contemplación en su carácter escrutiñador y como puntapié para diagramar artefactos visuales que abordan la narración con relación a la construcción de nociones como paisaje, historia, civilización, desde la posición de un artista en residencia en el territorio denominado confín del mundo.
Si el paisaje es el resultado de fragmentar a la naturaleza y otorgarle una mirada estética, aquí se exhiben videos de gran tamaño de recortes del paisaje antártico en diálogo con su construcción pictórica como género. Cada video muestra la mano del artista generando una obra pictórica sobre la pantalla del video en tiempo real que diagrama sobre cuestiones de percepción, de narración y construcciones de género. Se señala a la pantalla como ventana y se abordan los problemas de escala inherentes a la representación. Piezas que exploran la relación entre la como condensación material de la civilización y el paisaje.
A su vez, Guinot vuelve a implementar un método análogo al del cazador, como repaso escrutiñador, con el encuentro azaroso con una chapa y la confección de una forma escultórica en equilibrio y tensión utilizándola como insumo. Esta pieza, enmarcada en lo que él denomina animismo concreto, condensa una reflexión sobre la relación entre la producción humana, fuerza física, paso del tiempo y la naturaleza. En un mismo plano de acción se muestra la labor entre el acto intuitivo y el pensamiento analítico.
Desde este lugar, reposiciona el acto de mirar, que encuentra en la exhibición la forma de una fricción instalativa en donde el público, y su cuerpo, actualizan la conjunción acto intuitivo-pensamiento analítico. Si hoy ya no existe una diferencia ontológica entre hacer arte y exponer arte, como sostiene Boris Groys, el arte contemporáneo puede ser entendido como una práctica de exhibición. Hacer arte significa exponerlo como tal y  esto implica no sólo la instalación de las piezas en el espacio sino también la consideración del público que recorre la exposición. Así, esta muestra invita a experimentarla como un espacio totalizador por la ubicación de sus artefactos en un contexto fijo, estable y cerrado, circunscriptos en un aquí y ahora topológicamente diferenciado. Un espacio en el que la fricción acto intuitivo-pensamiento analítico se corporiza en evocaciones de nociones modernas ligadas a la construcción de cultura”.